汉娜·阿伦特，1941 年移民美国，1951年获美国国籍，自1954年始，阿伦特先后在美国加利福尼亚大学、普林斯顿大学、哥伦比亚大学、纽约布鲁克林学院开办讲座，自1963 年起，她先后为芝加哥大学教授、社会研究新学院教授。本书收录的世汉娜·阿伦特1953年-1975年的相关文章。不论是论文、访谈、信件，还是讲座、演讲、发言，抑或是纪念海德格尔或奥登的文章，这些横跨20余年的文字，呈现出汉娜·阿伦特有血有肉的生动形象，她时而愤怒，时而平静，时而满怀深情。阿伦特说，她不想让思想僵化，所以拒绝创建体系，她不想让社会僵化，所以鼓励读者思考。阿伦特坦承建立思考委员会的想法是理想化的，现实中并没有对应物，但这不妨碍她在对古希腊城邦的探讨中，在对柏拉图和亚里士多德思想的研讨中，在对美国政治的批判中，在对艾希曼审判的冷静反思中，探讨她的理念，区分她的概念，阐述她的想法。
格奥尔格·卢卡奇，匈牙利著名的哲学家、文学批评家和共产主义运动的领导者，20世纪最有影响的思想家之一，他的思想对西方马克思主义、美学、哲学等多个领域产生了深远影响。《心灵与形式》是卢卡奇出版的第一部著作，是一本文学批评著作，收录了《论说文的本质和形式》《柏拉图主义、诗艺和形式》《生活中被撞碎的形式》《浪漫派的生命哲学》等文章，评论了柏拉图、克尔凯郭尔、诺瓦利斯等人的作品、生活和思想等，从而描绘现代人的存在状态，揭示现代社会的矛盾，具有深刻的哲学思想。本书的立意是批判现代资本主义文化危机，卢卡奇认为，艺术家可以通过各种艺术形式塑造经验现实，进而克服资本主义文化危机，卢卡奇通过创作这本论说文集来证明，论说文形式能够成为实现这一任务的批评形式。西方马克思主义学者吕西安·戈德曼甚至认为本书可称为现代存在主义的先声。
高尔基，1868年出生于伏尔加河畔的诺夫哥罗德城的一个木工家庭，从小饱受人间苦难与生活辛酸，笔名“高尔基”在俄语中即为苦涩之意。高尔基一生创作成就突出，列宁称他为“无产阶级艺术最杰出的代表”，主要作品有小说《母亲》《克里姆·萨姆金的一生》、戏剧《小市民》《底层》、自传体三部曲《童年》《在人间》《我的大学》等。此外，高尔基还撰有大量文艺理论文章，对苏联文学乃至世界文学都影响深远。本书译者瞿秋白，为布面精装插图本，收录高尔基作品《意大利的故事》《童年》《马卡尔·楚德拉》《阿尔希普爷爷和连卡》等作品集及片段。
“我的主题是从莫尔到莎士比亚的自我塑造；我的出发点非常简单，即在16世纪的英格兰人们既有自我也认为自我能被塑造。”斯蒂芬·格林布拉特是美国著名文学史家、莎士比亚研究者，新历史主义文学批评代表人物。本书被誉为“ 新历史主义文学批评开山之作”，是对16世纪的生活和文学的探察。斯蒂芬·格林布拉特研究了英国文艺复兴时期的主要文学人物——莫尔、廷代尔、怀特、斯宾塞、马洛和莎士比亚——的自我身份的结构。格林布拉特起初试图理解“人类自主性在建构身份时扮演的角色”，但终无奈屈服于一个福柯式的论断：“人类主体本身……是特定社会中的权力关系的意识形态产物”，无论是作者格林布拉特还是本书关注的六位人物，他们都明白：“我是我自己身份的主要制造者”是一种无法放弃的幻觉，即使自我被认作一种虚构，放弃自我塑造就是放弃追求自由，就是放弃自己固执地坚持的自我，就是死亡。
“浪漫主义”是安·兰德认为现代艺术所缺失的东西，一方面，她将自己与她唾弃的艺术家并列在一起，另一方面，她有声称她的时代没有浪漫主义。安兰德信仰人的理性和意志，认为每个人都是为了自己的理想而活，文学和艺术的意义就是为了支援这种追求，所以她创作的小说中塑造的英雄人物，一定散发着很多人心中久久沉睡的理想和人性。在《浪漫主义宣言》中，安·兰德认为，艺术是时代的镜子，她大胆讽刺和批评同时代的辉煌艺术家：安·兰德认为她的时代没有艺术，浪漫主义早已销声匿迹，纯粹的、始终如一的艺术家”少之又少。在本书收录的文章中，受到她讽刺和批评的艺术家大多获得过诺贝尔文学奖、普利策小说奖，他们代表了那个时代的辉煌，但安·兰德依然担心他们所引领的艺术航向。安·兰德说她把医生献给“伟大的人类”，也许她的观点备受争议，但是，每个人都永远不要放弃对“伟大”的向往和追求。
席勒作为18世纪德国著名的思想家、诗人、剧作家，不满于当时社会腐化堕落的状况，又看到法国大革命所带来的问题，在此基础上提出了自己的美育思想，试图以美育造就个人身心和谐与理性提升，最后实现社会改良。《审美教育书简》是他写给奥古斯滕堡公爵的书信集合，共二十七封信，集中阐释了他的美学思想。在法国大革命背景下，席勒以康德的原则为依据，深刻分析了人的感性与理性同审美与艺术的关系，认为人类发展的道路是从被感性支配的自然人走向精神能控制物质的理性人，只有当两种冲动同时发展，人才有自由，要想让这两种冲动得以结合，需要架起审美教育的桥梁，让艺术充当使人恢复健康、具有美的心灵和人性的教师。席勒以美学为依托，思考了人性完善和社会改良的途径，照见其对人类命运的深刻关怀。席勒十分重视本书，称其为“一生中所做的最好的事情”。
《诗的艺术》以诗歌的形式论述各种文学体裁的特性，以古希腊、罗马杰作为楷模，批评流行的低劣作品，因此奠定了古典主义文学的理论基础，对时人的文学创作和诗学研究产生过很大影响。在书中，布瓦洛以古罗马贺拉斯的《诗艺》为典范，全面总结高乃依、拉辛、莫里哀等戏剧家的创作经验，并融汇亚里士多德、贺拉斯等人的理论观点，形成一套从内容到形式都体现君主专制政治标准和文艺政策的古典主义理论，结构安排，体现出浓厚的贵族色彩、具有突出的保守倾向。曾由路易十四亲自审阅，作者因此被任命为王室史官，当选为法兰西学士院院士。发表后产生广泛影响，在欧洲各国都有译本，被称为新古典主义的“教科书”，布瓦洛由此获得“巴纳斯山的立法者”称号，成为古典主义的代言人，同时束缚了作家的创作活动，产生了一定的消极影响。全书以诗体写成，共分四部分。
“我在一个完全不同的语境里写道:“不要阅读我。”《文学空间》是莫里斯·布朗肖于1955年出版的一部文学批评专著。布朗肖在本书中通过《马拉美的体验》《卡夫卡与作品的要求》《里尔克与死亡的要求》等文章，分析了马拉美、卡夫卡、里尔克的作品，探讨了写作是什么、文学是什么、构成文学的“力量”或“文学空间”是什么等理论课题。他认为，写作就是寻求作为“作品”的某种东西成为可能的那个时刻或那个点，文学空间就是死亡的空间。在寻求小说和评论的新途径中，布朗肖表达了一种极限体验，即把死亡设想为“ 的 考验”的体验，这对后来法国的意指学派、日内瓦学派和社会学批评学派等的文学批评产生了一定影响。另有附录《根本的孤独和世上的孤独》《想象物的两种说法》《睡眠，夜》《荷尔德林的思路》等4篇文章。
《洛阳伽蓝记》简称《伽蓝记》，是中国古代佛教史籍。是东魏迁都邺城十余年后，抚军司马杨衒之重游洛阳，追记劫前城郊佛寺之盛，概况历史变迁写作的一部集历史、地理、佛教、文学于一身的历史和人物故事类笔记，成书于公元547年。《洛阳伽蓝记》全书共五卷，按地域分为洛阳的城内、城东、城南、城西、城北，记述佛寺七十余处。其体例是以北魏佛教的盛衰为线索，以洛阳城的几十座寺庙为纲领，以寺庙为纲维，先写立寺人、地理方位及建筑风格，再写相关人物、史事、传说、逸闻等，在对诸多佛寺形制规模的描摹和始末兴废的勾勒中，反映了广阔的政治经济背景和社会风俗人情。《洛阳伽蓝记》的文体，接近骈俪，但不流于浮靡雕琢。《洛阳伽蓝记》在历代正史的“艺文志”中皆有著录，但其祖本早已佚失。该书与郦道元《水经注》一同，历来被认为是北朝文学的双璧。
19世纪末法国的政教分离与教育改革促成综合大学的建立，从此以后，在史学家的主导下，文学研究脱离了摆弄辞藻的面貌，被放入历史和社会的关系中加以关照。几乎与此同时，作为一个学科的“社会学”在大学中初露峥嵘，“教育学”这个社会学分支也在此时诞生。朗松之于文学史，就如涂尔干之于社会学，作为两门彼时的新兴学问，二者都试图在文学/历史、哲学/历史间打下楔子，为自己开辟空间。本书试图描绘的正是从普法战争到20世纪二三十年代即“福楼拜到普鲁斯特”这段时期内，法兰西“学者共和国”的全景图，大量史料串联起法兰西第三共和治下法德知识界的恩怨往还、史学与文学的分合、德雷福斯事件呈现出的意识形态光谱以及朗松、涂尔干、圣勃夫、吕西安·费弗尔等一干活跃在世纪之交的法国学者群像，在某种意义上，《文学的第三共和国》甚至可以被当作一部理想的现代小说阅读。
睡眠，而非梦，曾被作为思考的对象吗？它是建构文学的材料吗？睡眠与文学创作有何关系？睡眠这一私密的行为如何成了公众表达的元素？睡眠，过于寻常之事，我们很少去关注它，或者只有在失眠时，我们才会在药物的帮助下重新找回它。普里莫·莱维、兰波、菲利普·雅各泰、普拉东诺夫……眼前这本小书为我们讲述了12位作家与睡眠有关的写作。出生于来自敖德萨的犹太裔移民批评家皮埃尔·巴谢，任法国重要文学刊物《文学半月谈》编委三十余年，曾执教于巴黎第七大学，开设著名的研讨班“感性批评”。在这本书中，他以纯文学而非神经科学的方式考察上述创作，并发现，睡眠在文学中无处不在，它潜入许多我们未曾注意的文本，在叙事中自主运行，塑造作品，这便是文学中的一股“入眠之力”。
“景观社会”是城市批评家、电影导演、20世纪重要的知识分子之一居伊·德波在二十世纪六十年代提出的概念。于他来说，当一个社会深深地陷入了商品拜物教的泥潭，那么这个社会的真实人际关系也就被剥夺了，而景观就是商品关系取代社会真实关系的一种病态的症状。半个多世纪过去了，随着新技术、新媒体，以及互联网的蓬勃发展，景观的性质是否也发生了变化？曾经被广泛认为是“心灵栖息之地”的文学和艺术是否也在悄然改变？法国文学教授樊尚·考夫曼的《“景观”文学：媒体对文学的影响》一书试图回答上述问题，他向读者介绍了欧洲某些沉溺于景观的知名作家，同时也对“自我虚构”体裁作了全面的研究和分析，提供了一套崭新的当代文学批评方法论。考夫曼在书中指出，对于作者而言，如果想让自己的作品被阅读，除了书写文字，他还需要制造“景观”——在媒体上抛头露面，在社交网络上和读者互动，以说明自己是谁。
《说苑》又名《新苑》，是古代杂史小说集，原20卷，成书于鸿嘉四年(公元前17年)，是西汉刘向根据皇家藏书和民间图书加以选择、整理而成的一部杂著类编，按各类记述春秋战国至汉代的遗闻轶事，每类之前列总说：事后加按语。刘向“以著述当谏书”，希望据以实现国泰民安的政治理想，从体例上看，类似后世的《太平御览》等类书。刘向的思想是儒家，但《说苑》以儒家为体，以老庄墨名法诸家为用，更像是杂家著作；表现形式颇具故事性，多为对话体，很多篇章甚至可以视为古代短篇小说。三全本《说苑》是译注者在其《说苑全译》的基础上重新修订而成的，共20卷723则，皆按卷次独立编排每则序号，并辑录佚文72则。按照丛书体例，吸收了新近的研究成果，每卷原文之前加题解，对本卷内容进行总括式介绍；增加了大量注释，改正了以前的错误；调整润色了译文，直译为主意译为辅，语言清晰畅达。
《未来之书》是法国当代著名哲学家、作家莫里斯·布朗肖的文论集，汇集了布朗肖为复刊后的《新法兰西杂志》写的文论。布朗肖以一种充满激情和焦虑的学识向我们谈论了普鲁斯特、阿尔托、布洛赫、穆齐尔、亨利·詹姆斯、萨缪尔·贝克特、马拉美以及其他一些作家，甚至是将来某一天的最后一位作家。通过对这些经典作家的品评，表达了他对文学观念、文学创作系列问题的看法, 《未来之书》可谓法国后现代主义思想的渊薮。“对小说而言，第一层是预备的航行，把奥德修斯带到那，遇见塞壬。这一航行完全是人类的故事，它关系着人类的时间，与人的激情相联，极其丰富多变足以吸收叙述者的一切力量和注意力。”开篇莫里斯·布朗肖回归神话，以“塞壬之歌”引出写作的神髓，海妖塞壬用歌声引诱人们，造成船毁人亡，歌的源头处也是听者的死亡地。
特里·伊格尔顿，是当代著名的西方马克思主义文学理论家和具有独特风格的文化批评家，伊格尔顿的《二十世纪西方文学理论》初版于1983年，是伊格尔顿向英国普通读者系统介绍和评论西方世纪文学理论的一本专著，作者将起自俄国形式主义的纷繁复杂的20世纪西方文学理论革命梳理出从形式主义、结构主义到后结构主义，从现象学、诠释学到接受美学以及精神分析理论三条主要的发展脉络，对其产生和流变、问题和局限进行了深入分析。本书导言《文学是什么》对文学进行了重新定义和梳理，整部书分为《英国文学的兴起》《现象学、诠释学、接受理论》《结构主义与符号学》《后结构主义》《精神分析》和《结论：政治批评》六个部分，本书新版作者新增了一篇“二十五周年纪念版序言”，对文学理论的发展做出了新的反思。
《符号学理论》是意大利符号学家翁贝托·埃科的理论代表作，成功构建了一般符号学的理论体系，是继索绪尔和皮尔士之后的权威符号学论著。全书共分五章，味理论界提供了一般符号学的经典理论：绪论“迈向文化逻辑学”是皮尔斯关于逻辑学“只不过是符号学的另一种说法”的继承和发展，其中对符号学的分类，被西方学术界公认为最全面的表述；第一章“意指与交流”，把索绪尔的符号二元结构思想推进了一大步；第二章“代码理论”，是艾柯一般符号学的核心内容之一，埃科认为，代码不仅是符号系统的内部规则，也是制约此符号系统的通讯环境中的规则，他想借助于代码模型来建立一般符号学的规则系统；第三章“符号生产理论”，埃科认为符号的结构和功能是与符号生产过程密切相关的，符号的内容是与文化环境内符号生产过程紧密相联的；第四章“符号学的主题”，这一主题就是观察世界的方式，亦即符号化的过程。
“没有人比康拉德更能代表迷茫和失落的命运，也没有人比他更善于对试图用安排和迁就来取代这种状况的努力加以反讽。”《康拉德与自传的虚构》是萨义德在哈佛大学门罗·恩格尔和哈里·莱文指导下所撰写的博士论文的修订版，是“一次对康拉德的意识的现象学探索”。这本书持续而严谨地审视了康拉德的短篇虚构小说是如何通过他的书信进行调和与强化的。这些书信由G.让-奥布里 编辑，并在康拉德去世三年之后于1927年出版，萨义德利用信件和康拉德的短篇小说之间的动态关系，来研究表达其文学作品中威胁性的模棱两可和特有的令人不安的弦外之音的状况。萨义德对康拉德的八卷书信集进行了仔细的查阅，庶几重新构建起康拉德对其自身身份的认定：有才华的作家、侨居者、波兰人。萨义德从大量信件中看到康拉德生活的沧桑，同时还认为，康拉德与英国语言和文化的关系始终不曾完全稳固，其心智处于一种持续的危机状态。
奥维德的《变形记》结构可以细分为：序诗、引子、神的故事、男女英雄的故事、“历史”人物的事迹、尾声。这样一个安排多少是按时间次序作出，但是有许多故事的发生时间本来很难定，因此作者又按故事的性质予以安排，例如卷一至二的故事主要围绕神的恋爱为中心，卷三、四是以酒神巴克科斯和忒拜城为中心，卷五、六以神的复仇为中心，卷六至九以雅典英雄为中心，卷九至十一以男女英雄的恋爱为中心等。例如卷一至二的故事主要围绕神的恋爱为中心，卷三、四是以酒神巴克科斯和忒拜城为中心，卷五、六以神的复仇为中心，卷六至九以雅典英雄为中心，卷九至十一以男女英雄的恋爱为中心等。《诗艺》原是一封诗体信简，无题，发表后不及百年，即被罗马修辞学、演说学家昆提利阿努斯称之为《诗艺》，其后遂以此名著称。受信人是皮索氏父子三人，有人想写剧本，求教于贺拉斯，贺拉斯作此复函，谈谈写作的体会。
《艺术与现实的审美关系》也译作《艺术与生活》，是尼古拉·车尔尼雪夫斯基创作的美学论著，首版时间是1855年。该书着重探讨了美的定义、艺术美和现实美、艺术的价值和社会作用三个方面的问题。在文论史上第一个肯定了现实高于艺术，在方法论上具有开拓性的新意，同时也是对黑格尔的“美是理念的感性显现”理论的反击。 在书中车尔尼雪夫斯基提出了“美是生活”的论断。认为“任何事物我们在那里面看得见依照我们的理解应当如此的生活，那就是美的；任何东西，凡是显示出生活或使我们想起生活的，那就是美的”。美随时代生活的变化而变化，美的观念受社会条件的制约，不同社会集团具有不同的审美标准。作者主张艺术应该说明生活，对生活现象下判断，通过描写生活中提出的主题，表现一定的思想，成为“人的生活的教科书”。《艺术与现实的审美关系》一书，把文论研究的范畴从传统的概念限制扩展到全部自然与人生，具有重要意义。
《美杜莎的笑声》是法国女性主义理论家埃莱娜·西苏的代表作品，一直以来被认为是现代女性主义文学理论的重要开端之一，它呼吁女性在文学和社会中发现自己的声音,在女性主义文学理论和写作实践中具有重要意义。“美杜莎的笑声”是一种象征，美杜莎是希腊神话中的女妖，她具有将男人石化的力量，同时也代表了女性的力量和创造力，作者借此传达女性需要找到自己的语言和文学，以表达自己独特的经验和观点，并摆脱单一性别主导的文学和语言的束缚。“故事是这么说的：美杜莎才一伸出她所有的舌头，男人们就逃走了。他们以为那些舌头是蛇。看看他们逃窜的样子：手指塞住耳朵，脚下生风，气喘吁吁，就像已经被蛇咬到似的。这场面让我有点想笑。”“想笑”的埃莱娜·西苏认为，女性的写作能力可以帮助她们重新获得力量和自我认同，同时也能为整个社会带来积极的变化。