他是幽默天才，更是脱口秀鼻祖、运动健将、爵士乐手、幽默作家，还是好莱坞仅有的知识分子；他是电影大师，更是社恐达人、INFP代表人物、进门恐惧症患者，是尴尬十级选手；他是四届奥斯卡得主、戛纳威尼斯终身成就奖获得者，也是最话痨导演……从开头笑到结尾，每页都有梗的纸上脱口秀：人生毫无意义，但我们更要大笑。在这本自传中，伍迪·艾伦首度全面地回顾创作生涯和生命故事，讲述一个纽约穷小子如何踏上喜剧的台阶，成长为万千文艺青年膜拜的幽默大师。从布鲁克林贫穷且温馨的童年写起，回顾两次大学退学的轻狂时光、担任综艺编剧的青葱岁月、和老一辈喜剧大师的友谊、讲脱口秀的艰难日子，并着重书写漫长且辉煌的导演生涯，讲出《安妮霍尔》《午夜巴黎》等作品背后的故事，以及，首度全面分享自己的私人生活和情感经历。《毫无意义》延续了伍迪·艾伦电影中的浪漫和幽默，心碎和狂欢都被写在同一页纸上。
“电影真实得像石头，自由得像梦境。”本书是法国电影批评家、理论家安德烈·巴赞的电影评论文集，收录了他对于六位导演及其作品的37篇精辟评论，这六位残酷导演是：被诅咒的电影的代表人物施特罗海姆、从悲剧性的宗教题材中流泻出神秘主义的德莱叶、“用一场场反讽式的社会学调查”构筑喜剧的斯特奇斯、“运用残酷的辩证法，编织起了超现实主义梦境”的布努埃尔、完成了“一种骇人的反讽，一种比初看起来更真实的残酷”的希区柯克、现实主义与普世价值实现了完美融合的黑泽明。巴赞说，“悲剧必须辩证地否定掉喜剧，现实应当浸透电影。”在本书中，多篇电影评论崭露出巴赞令人叹为观止的电影分析技巧。此外，巴赞记述了他与布努埃尔长久而深切的友谊，他与希区柯克的会面、两人之间展开的一场犀利对话；他赞赏侯麦和夏布洛尔合著的《希区柯克》一书，并谈到法国新一代导演对希区柯克的推崇……
2015年“OCAT研究中心年度讲座”年度讲座的题目为“影像、历史、诗歌：关于爱森斯坦的三场视觉艺术讲座”，主讲人是著名艺术史家、哲学家迪迪-于贝尔曼。迪迪-于贝尔曼围绕著名导演爱森斯坦的电影《战舰波将金号》展开，讲解影像的视觉结构如何创造出连贯的历史图景，又如何通过诗歌式的建构表现出来。首讲从影片的纪实和抒情双重特质切入，追溯爱森斯坦的理论源头；第二讲关注影片的主要形式技巧，“蒙太奇”与特写；第三讲分析爱森斯坦电影的诗性结构及其营造出的史诗“氛围”。于贝尔曼不止探讨了技术手段，还结合爱森斯坦的成长经历和知识背景，影片呈现方式的历史社会渊源，联系相关其他艺术作品的影像，解说了“经典之所以经典”，黑白默片如何超越时空限制、表现强烈而深沉的情感，重新阐释在当下或被理论界摒弃、或被商业简单消费的“悲怆”和“感性”的意义。
《图像学研究——文艺复兴时期艺术的人文主题》初版于1939年，是潘诺夫斯基图像学研究的代表作之一，随着本书的出版，最初由瓦尔堡学派创立的图像学已然脱离辅助地位成为美术史研究不可或缺的基础，美术史之为人文学科，从此进入了图像学研究的时代，它与沃尔夫林的风格分析一起成为现代美术史教学的两大支柱。除了作为方法论的导论之外，本书共有六章，每一章都是图像学方法运用的案例，从美术史、哲学史、宗教史、社会结构史、科学史等多学科多角度对文艺复兴时期艺术作品的意义进行分析，正如译者引用的一位美国学者所说：“我们读他的《图像学研究》，‘皮耶罗’一章像读文明史，‘时间’和‘丘比特’二章像读文学史，最后二章像读哲学史；而且不是泛泛的文明史、文学史和哲学史，它们都是那些领域中的杰作；即使从比较文学而言，似乎也极少有一部书能与《图像学研究》比肩。”
大卫·波德维尔，美国当代电影理论家、电影史家，威斯康辛-麦迪逊大学传播学院电影研究雅克·勒杜讲席教授，研究领域涵盖电影理论、电影批评、电影史等多个方面。《建构电影的意义：对电影解读方式的反思》是大卫·波德维尔的一部关于电影阐释与批评的著作，被电影理论家西摩·查特曼赞誉为“一部只有波德维尔才能完成的脉络清晰、纵横捭阖、旁征博引而又严谨的著作”。在书中，波德维尔结合大量的案例，以探本溯源的民族志学者的理性冷静，回溯并检视了西方电影史上的电影阐释和批评实践，对受结构主义、符号学、精神分析学、文化主义等理论影响的各种电影解读模式进行了系统的反思和批判，揭示出电影批评是如何成为一种机制惯例和逻辑推理活动的。而在文末，波德维尔更是提出“不要解读电影”，提醒读者在阐释性批评之外还可以有别的选择。
当数字时代来临，电影的形态发生了根本的改变——人们不再局限于在电影院的黑暗之中观看影片；电影出现在银幕之外的其他媒介上，而影像本身成了便携的、开放的、可编辑的视频；在每一台电视、手机、电脑、iPad上，任何人都可以随心所欲地观看和剪辑电影。身居所谓的后电影时代，视觉和声音的表达发生了怎样的改变？电影应当如何适应数字技术的发展，以创造出新的艺术形式与风格？《闪速前进》收录了西方电影和媒介研究学者关于后电影的十五篇代表性论文，作者包括托马斯·埃尔塞瑟、西格弗里德·齐林斯基、弗朗西斯科·卡塞蒂、帕特里夏·皮斯特斯、史蒂文·沙维罗等。“后电影”可被理解为对21世纪电影新形态、新发展、新问题进行理论化的一种命名，它聚焦于21世纪的媒体如何帮助塑造和反映新的情感形式。后电影理论的建构者人数众多，且表达出几乎完全相同的问题意识，即数字时代对电影制作和电影研究的影响。
希区柯克与精神分析？《末路狂花》与女性主义？《杀死比尔》与后现代主义？《异形》与后人类主义？从电影诞生时起，围绕电影的伦理争论就没有停息过，从是否应该在电影中展现接吻，到如何正确地表达暴力，从电影分级的标准，到私人生活的呈现方式，伦理问题伴随着世界电影每个历史时期。然而，电影研究却迟迟不愿明确采用伦理学来观照电影，《电影与伦理：被取消的冲突》作者之一的丽莎·唐宁，为伯明翰大学教授，主要关注性别研究和批评理论，另一作者莉比·萨克斯顿，为伦敦大学玛丽王后学院教授，主要关注后现代主义理论。试图改变这种状况，展现当前电影批评中这种“被取消的冲突”。“在开始考查这些彻底抛弃伦理学的常识性概念的做法之前，我们需要质疑表现的伦理与身份政治的潜力。这也涉及它们自己抵制身份/认同范畴的观点，正如在酷儿理论、女性主义和后殖民思想的解构成分中发现的一样。”
什么是图像？图像与文字的关系如何？文字之外，图像如何传达思想和情感；图像之内，文字怎样佐助读图，塑造思想形象？这是古今中外众多文人学者试图解决的问题，本书建构的就是关于如何读图、解决图文之间张力的一种理论。“我的目的是探讨我们对形象的‘理论’理解何以置身于社会和文化实践中，置身于一种历史中……”文学批评家W.J.T.米歇尔在书中《什么是形象》一文中说，“不管形象是什么，思都不是形象……”他在书中通过把形象与词语相比较，或更准确地说，通过从语言表达的角度看待形象而探讨了形象的本质。米切尔以颠倒的历史顺序分别论述了四位理论家：古德曼、贡布里希、莱辛和埃德蒙·伯克。讨论了文本与形象、眼与耳、自然与习俗、空间与时间之间的结构差异。全书包括《形象的观念》《形象与文本：差异的比喻》《形象与意识形态》等三部分组成。
《历史及其图像》初版于1993年，是英国著名艺术史家弗朗西斯·哈斯克尔撰写的一部具有开创性的艺术史巨著。本书对西方史学界长久关注的“图像的历史想象”问题做了深入探讨，对“图像证史”的传统进行了全面梳理。图像在历史阐释中一直扮演着作为史料的重要角色，无论是钱币、绘画、雕刻、建筑，还是其他历史遗物,都在传达着文字记载所无法传递的信息，但图像的意义又不仅仅局限于其史料价值，更在于它背后隐藏的历史事实，甚至“历史本身”。作者以16、17世纪钱币学家、古物学家，18、19世纪历史学家、文化史家、艺术史家在这一领域的重要著作为线索，通过考察瓦萨里、温克尔曼、黑格尔、布克哈特、米什莱、罗斯金和赫伊津哈等历史学家的著作与观点，揭示了“图像证史”的独特魅力，同时也指出了其中无法避免的思维和情感陷阱，这些陷阱既是西方艺术史学史中的经典问题，也是艺术史学科引人入胜的地方。
本书收录本雅明的《摄影小史》和《机械复制时代的艺术作品》等文章，在这些文章中，本雅明着重论述了摄影在19世纪的发明对美学理论、艺术活动，乃至整个现代文明产生的巨大影响。在他看来，以摄影为代表的机械复制技术“能够运用在一切旧有的艺术作品之上”，并“以极为深入的方式改造其影响模式”。在《摄影小史》一书中，瓦尔特·本雅明对诸如“灵光”、“机械复制／灵光消逝”、“政治的美学化／美学的政治化”等影响深远的文化批评概念做出了澄清。作为对摄影、电影的批评实践中的丰碑，《摄影小史》一书不仅为人们理解这两个媒介提供了一种全新且富于启发的视角，对尼塞福尔·尼埃普斯、欧仁·阿特热乃至奥古斯特·桑德这样的摄影先驱及他们的美学、技术成就做出了令人印象深刻的评判，也极为深入地讨论了摄影、电影与绘画之间纠缠不清、若即若离的关系。
阿道夫·希尔德勃兰特是19世纪德国著名的雕塑家和艺术理论家，他的实践和理论倾向于新古典主义立场，反对印象主义、写实主义和科学实证的方法，他的艺术思想集中反映在1893年出版的《造型艺术中的形式问题》一书中，瑞士美术史家沃尔夫林曾称赞此书“像久旱土地上一场凉爽清新的甘霖”。在书中，阿道夫·希尔德勃兰特提出了一个以古典时代遵循的艺术规则为基础的审美体系，通过“视觉与运动”“形式与形相”“空间观念与视觉表现”“平面观念与深度观念”“浮雕观念”等角度探讨了绘画和雕塑中的形式问题，试图展示并论证艺术自身的规律。希尔德勃兰特在《形式问题》中追求的是一种理想，即使在处理高浮雕或圆雕时，他也按理想的原则行事，他运用自己的“构形”方法把每一个肢体和每一个姿势都安排在同一视面上，同时给予各个部分以那种在马列的画中可见到的独立自主的相互关系。
阿比·瓦尔堡是20世纪卓越的美术史家和文化史家。他生前发表的著述并不多，很多重要的学术思想都零零落落地散布在其讲稿、日记、信札、纸条中。本书是瓦尔堡研究院前院长贡布里希教授在对瓦尔堡文献进行多年研究的基础上撰写而成，是一部以历史学家的角度书写就的思想传记。贡布里希熟谙瓦尔堡学术成长所依赖的文化背景，精通瓦尔堡研究的文艺复兴问题，擅长心理分析，对瓦尔堡的生平与思想做出了深入探索和阐释。不仅这本书实现了两位美术史巨人跨越时空的对话，而且一起对古典传统的双重性做了演绎。书中共附有174幅插图，其中包括瓦尔堡一生各个阶段的照片、笔记本的内页和艺术品的图片等，另附有一篇扎克斯尔所撰写的关于瓦尔堡图书馆历史的回忆录，生动而全面地展示了这位艺术史上关键人物的学术生涯和学术思想。正如《艺术通报》所说，此书是“一部绝佳的思想传记，叙述清晰，感人至深”。
让-吕克·戈达尔于2022年9月逝世，他是法国著名电影导演、艺术家、批评家，他不仅是法国新浪潮的发动者和见证者，也在近半个世纪的创作中，对视听语言、电影制作模式、电影的政治介入性、论文电影、电影史电影等方面做出了卓悦的探索和贡献，尤其是他晚期代表作8卷本《电影史》，是电影史上最重要的电影史论文作品，自从作品问世之后，便引起独特的表达形式不断激起理论家、影评人和电影导演们的争论，法国著名的伽利玛出版社也曾破天荒出版过影片的字幕文稿。本书以《电影史》为中心，翻译了戈达尔围绕这部作品的创作所做的长篇访谈，同时选编了吉尔·德勒兹、迈克尔·维特、尤瑟夫·依沙布尔、安托万·德巴克、雅克·朗西埃等人对这部著作的评论。除了追溯《电影史》完成前的戈氏电影思想与《电影史》的创作方法、过程外，更多的是有关《电影史》在历史、美学、哲学、档案乃至跨界等多领域的剖析。
图像到底是什么？它们与语言的关系怎样？它们如何被创造、生产、复制？又如何影响观者？在将形象主体化的进程中，元图像是一座里程碑，它将图像自身作为方法，作为窥探意义及理论建构的窗口。当代图像理论研究者米切尔在《元图像：图像及其理论话语》中开宗明义，回顾并梳理了创生于20世纪早期的图像学的生长轨迹，探寻其在突破艺术史的限制，走向更为开阔的一般性图像科学的过程中所包含的各类媒介中的图像，尤其关注语言之为媒介。在图像学3.0的框架背景下，米切尔以人类经验中最具表现力、最具力量却也是小的图像单元——面孔——为研究对象，并在福柯有关疯癫的历史之论述中重新思索“愚人船”这一古老的政治哲学隐喻。尾声中，米切尔回归艺术品的范畴，将视线集中于雕塑这个一直以来被认为是有限性和物质性的代名词，探究单一的、特定的、物质性的艺术作品如何超越自身的物质性，指示无限性和非物质性。
对阿兰·巴迪欧来说，电影是一种教育，一种生活的艺术，以及一种思想，从1950年代末至今，他为第七艺术撰写了三十多篇文章，尽管其中绝大多数只与个别影片或某一组影片有关，但依然建立了一种电影视角及其解释方式。这就是巴迪欧思想的一个特征：通过思考个案，从一部具有特性的艺术作品出发去建构一个体系。这些文章为过去五十年来的电影描绘了一段不同的旅程，从具有现代性的导演，如茂瑙、安东尼奥尼、奥利维拉、塔蒂、戈达尔，到美国当代电影，如《黑客帝国》《木兰花》《完美的世界》，以及他个人的电影经历，如居伊·德波、1968年电影、闪电小组的战斗电影等，影片在思考，正是哲学家去观看并翻译这种思想：这部影片为什么主题赋予了形式？这就是巴迪欧电影思想的来源。本书涉及各种电影的风格，为读者呈现了过去五十年来电影发展的多样路径。
“生命是魔法与面包的组合，是幻想与现实的组合。电影是魔法，面包是现实，或者该倒过来说？”费德里科·费里尼回答了生命的本质：电影是梦，梦是人生，所以，“我就真的相信不是我在指挥电影，而是电影在指挥我。”也许，把自己当成小丑的他，电影才是他的马戏团。作为意大利电影大师，他的艺术电影成就是1960年以来欧洲难以逾越的高峰，他影响了库布里克、伍迪·艾伦、马丁·斯科塞斯、大卫·林奇、蒂姆·伯顿……他被认为是20世纪影响最广泛的导演之一。费里尼对镜头的纯熟运用，以及他“意识流”的剪辑方式，将回忆、想象、梦境与现实交织在一起，窥浮华朽败，析恐惧灵魂，让镜头外的观众宛如被包裹在一场荒诞却又真切的梦里。本书既是费里尼的传记，也是资深传记作家夏洛特·钱德勒为他作传，是对费里尼的一生及电影创作的珍贵总结，他说：“我把我仅有的一生都说给你听了。”
“迷影之于我的意义，乃是一种涵盖了对电影、电影导演、影评人以及观影者的爱。”曾任《电影手册》总编辑、法国电影资料馆电影博物馆馆长的安托万·德巴克如此定义“迷影”，在《迷影》中，他就是以《电影手册》为支点，以巴赞、侯麦、朗格卢瓦、特吕弗、戈达尔等“电影恋人”为核心写就的一部迷影史：那些活动于20世纪60年代初期的狂热影迷究竟是怎么看电影的？他们会坐在放映厅的哪个位置？用什么姿势？他们如何主持电影俱乐部？他们的团体活动具体是怎么进行的？他们如何借由谈话、书信，以及私人或公开的写作去分享自己的观影日记？……大量一手文献、私人档案、当事人谈话，为法国迷影史上的各派人物树碑立传，重构一代迷影文化的精神脉络和社会背景，讲述一段关于如何发现电影、观看电影、放映电影、收藏电影、保护电影、评论电影和捍卫电影的文化史，并为热爱电影的人重述一种观看的方法。
当马塞尔·杜尚于1887年7月28日在鲁昂东北部布兰维尔-克勒翁镇一个乡村的公证人家出生时，没有人能够预见，不到一个世纪之后，他会被视为20 世纪重要的艺术家之一。不过，在他的名字被经常郑重或顺带提及时——无论是作为反偶像、先锋派，还是作为艺术中的过激思想，却和他的实际生活、艺术和思想等方面看上去的样子，存在巨大的差异。这本《杜尚词典》共有200多个按照字母顺序排列的词条，探索了杜尚的人生和作品。从炼金术与解剖到沃霍尔与窗户，经由“自行车轮子”，杜尚创造了他自己的个人世界，他在其中行走、工作、玩耍、爱，如果没有了矛盾，杜尚将不再是杜尚：一个备受欢迎却喜欢沉寂和独处的艺术家；一个幽默顽皮却在对知识的追求上一丝不苟的人；一个视艺术为核心却至少花费十年时光沉溺于下棋的人。本书为此提供了一种清晰的、通俗易懂的途径去穿越这些矛盾，并且在愉悦地传颂这些东西。
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编号：Y23·2220808·1859 |
| 作者：【斯洛文尼亚】斯拉沃热·齐泽克 著 | |
| 出版：武汉大学出版社 | |
| 版本：2018年03月第1版 | |
| 定价：48.00元当当23.10元 | |
| ISBN：9787307175266 | |
| 页数：288页 |
“基耶斯洛夫斯基的作品以真实眼泪之可怖为始、以虚构眼泪之涌流为终，这样的说法就是非常恰当的了。这些眼泪不是打破保护墙的情不自禁的眼泪，不是个人情感自发性的表现，而是戏剧化的、表演性的眼泪，是重新获得距离的“罐头眼泪”，或用古罗马诗人的说法，这是“众生皆罪，万物堪怜”，眼泪是公开流给大他者看的，此时我们已不再关心（甚至憎恨）我们正在哀悼的逝者。重新获得的距离关乎陈述和声明之间的裂缝：眼泪是声明，暗含着对立的陈述立场即快乐。”提起克日什托夫·基耶斯洛夫斯基，就会引发无穷无尽的美学—意识形态争论。齐泽克撰写本书显然不是去谈论基耶斯洛夫斯基的电影作品本身，他借用基氏的作品来完成他阐释大理论的工作。但比之对基氏作品那深不可测的自主性的任何表面尊重，以及任何看起来颇具专业性的电影批评，他的这一“借用”都要更为忠诚于被阐释的作品。
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编号：Y23·2220808·1858 |
| 作者：【瑞典】英格玛·伯格曼 著 | |
| 出版：中信出版社 | |
| 版本：2022年01月第1版 | |
| 定价：69.00元当当33.20元 | |
| ISBN：9787521734782 | |
| 页数：416页 |